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Module intensif / Projet artistique personnalisé

Le module intensif a été mis en place dans le but de flécher un espace pour :
– La préparation accompagnée des concours et auditions (castings, conservatoires, écoles supérieures de théâtre), – L’approfondissement du travail théâtral permettant aux F1, F2 et praticiens en amateurs de se retrouver dans une pratique intensive partagée.

Nombre :
Pour garantir la qualité de l’accompagnement individualisé de ce module, le nombre de places est limité à 12.

Contenus :
1/ Training
2/ Analyse dramaturgique
3/ Construction du personnage
4/ Développement des techniques d’interprétation

3 h par semaine, le mercredi matin de 9 h 30 à 12 h 30 (ajustable en fonction du groupe et de ses contraintes).

Formateurs :
Marwil Huguet, Jean-Claude Parent, Muriel Machefer et d’autres intervenants spécifiques si nécessaire.

Tarifs :
644 € + 42 € de frais d'inscription


D’une façon générale, les contenus sont ajustables aux souhaits et aux besoins des apprenants. Mais ils comprennent dans tous les cas les fondamentaux de l’expression théâtrale : voix, geste, placement dans l’espace, imaginaire et univers personnel, utilisation des références culturelles propres à chacun.e, acquisition de nouvelles connaissances, théoriques et pratiques.

Ces enseignements passent par des disciplines connexes : chant, danse, clown, entre autres exemples. Au cours de cette première année, l’ébauche du projet-phare de la deuxième année (une création dans des conditions professionnelles) entre en travail. Ce chantier fait l’objet d’une sortie publique devant un jury aux conditions énoncées dans le document téléchargeable Formation de l'acteur .
La pédagogie à laquelle nous nous référons préfère le vocable d’ʺatelierʺ à celui de ʺcoursʺ. Dans le premier cas, l’accent est mis sur le savoir-faire et la coopération, dans le second, le savant instruit l’ignorant.

L’atelier de Jeu vocal aborde de façon artistique et technique les notions principales de la voix parlée et chantée : la respiration, la projection du son, sa puissance et sa modulation en fonction de l’effet attendu. Un suivi personnel est assuré. Un travail personnel quotidien est conseillé.

L’atelier de mise en scène permet aux apprenants de comprendre les interactions entre la scène et la salle, le nécessaire arbitrage dans le cadre d’une création limitée dans le temps de sa réalisation, l’intérêt et la richesse du dialogue qui s’instaure entre l’interprète et son observateur. Cet atelier prévient aussi des dangers de la mise en scène vécue comme un banal rapport hiérarchique : la soumission aveugle de l’interprète qui se décharge de toute sa responsabilité artistique sur le/la metteur.e en scène, et propose une méthodologie de l’acteur/actrice co-responsable de la création. Par une initiation aux diverses étapes constitutives du spectacle, l’acteur/l’actrice apprend à contribuer pleinement à la création, de la construction ou de l’analyse dramaturgique d’un texte au montage et démontage d’un dispositif scénographique.

L'atelier d'improvisation sollicite la créativité de l'acteur et lui fait prendre conscience des freins à l'expression artistique : excès de timidité et/ou de pudeur, manque d’écoute et de disponibilité, excès de cérébralité, manque d’engagement… L'improvisation est alors une méthode d'entrainement de l'acteur et une remise en question permanente, l’amenant à se concentrer sur un travail de recherche et de création en refusant la reproduction des mécaniques du jeu. D’abord individuelle, l'improvisation collective est développée plus tard dans la formation.

Ces fondamentaux ouvrent sur des contenus spécifiques (interprétation, clown, mime, travail du masque, expression corporelle, chant, rythme…) dispensés par des artistes professionnels en exercice, certains de passage à l’occasion de représentations de leur spectacle dans la salle de spectacle du Théâtre en Miettes.

Les élèves sont vivement invités à se cultiver de façon autonome, se former au contact des spectacles, par la fréquentation des œuvres, à s’initier à la transmission en prenant une place d’assistant metteur.e en scène dans l’un des nombreux ateliers de pratique théâtrale de loisir, à concocter de petites formes à produire dans l’espace public (Escale du Livre, Printemps des Poètes, divers salons, journées portes ouvertes, festivités…).

En conclusion, la première année de formation permet aux élèves de s'engager dans un vrai travail d'approche artistique. Il en découle la prise de conscience individuelle des compétences à posséder pour exceller dans cet art, que l’on veuille en faire son métier ou le pratiquer dans un autre cadre.

Si la 1ère année (F1) met l’apprenant face aux fondamentaux (soi et l’œuvre, soi et les autres, soi face à soi), aux techniques de base (la voix, le corps, la présence, les méthodes courantes), permettant ainsi à ceux et celles qui ne sont pas venu.e.s dans une perspective de professionnalisation dans les métiers du spectacle vivant d’en tirer des enseignements utiles dans tout autre cas de figure, la 2ème année (F2) responsabilise le groupe face à une poursuite dans la voie artistique, par l’appréhension des réalités du plateau, par une montée en puissance du rapport à soi et aux autres dans le groupe, à soi et au public aussi. Enfin, cette 2ème année densifie le contact avec le monde professionnel pour ceux et celles qui envisagent une carrière. La plupart des enseignements fondamentaux sont reconduits et approfondis. Des modules spécifiques et complémentaires prennent place. Ils sont choisis en fonction des besoins et des manques, mais aussi en fonction des opportunités (passage d’un.e artiste riche d’un univers et d’une compétence singulière par la salle de spectacle, programmation d’un contenu qui intéresse à la fois les stagiaires de la formation continue BPJEPS et ceux de la formation d’acteur…).

Etape reine : la création

Traditionnellement, en milieu de 2ème année, la promotion réalise un spectacle sous la direction de Jean-Claude Parent ou d’un.e metteur.e en scène invité.e, qui les place face à toutes les composantes du travail théâtral en compagnie :
• Choix de répertoire
• Distribution (selon des critères à la fois artistiques et pédagogiques)
• Mise en scène/dramaturgie
• Travail au contact des autres personnels du théâtre (scénographe/décorateur/constructeur, éclairagiste/régisseurs – dont des stagiaires régisseurs du CIAM -, costumière, chargés de communication/diffusion/médiation ; personnels d’accueil), bénévoles… et bien sûr le public à l’occasion d’au moins un bord de scène.
• Quatre représentations publiques consécutives + une représentation scolaire avec bord de scène

C’est proprement l’étape reine de la formation de l’acteur, celle qui cimente définitivement le groupe, celle dont ils reparlent longtemps après, et l’une des plus formatrices sans aucun doute. C’est aussi celle qui permet à chaque apprenant de dépasser durablement le caractère égotique du jeu théâtral par la concrétisation de la réussite collective. Ce point culminant de la formation doit pouvoir constituer l’épreuve finale, qui reprend la grille d’évaluation de la fin de la première année, assortie d’un écrit d’un maximum de 1250 signes (3 pages environ) dans lequel chaque stagiaire décrit son parcours et sa contribution à cette création, à travers ses étonnements, ses découvertes, ses progrès perçus, ses difficultés et réticences éventuelles.
Cette épreuve n’a évidemment aucun caractère éliminatoire, elle permet de dépasser le caractère festif et épanouissant de l’expérience pour en faire un marqueur objectif de progression vers les objectifs que se fixent les stagiaires et leurs formateurs.

Dans la suite de la formation :
• Ceux et celles qui se destinent à une carrière professionnelle dans le théâtre, le spectacle vivant ou l’audiovisuel commencent à travailler sur leur portefeuille professionnel activable, certains préparent et passent les concours des écoles supérieures labelisées et/ou des écoles privées. Fréquemment, à l’approche de la fin de session, ils ou elles sont en demande de formation administrative touchant des domaines aussi variés que :
- Relations avec les instances culturelles territoriales
- Droit applicable aux associations
- Droit d’auteur/droit à l’image
- Convention collective
- Régime d’indemnisation au titre de l’Intermittence du spectacle/GUSO

• Ceux et celles qui ne sont pas dans cette démarche mais plutôt en quête de compétences complémentaires à leur métier ou qui sont venus chercher des techniques pour optimiser leur recherche d’emploi, peuvent travailler en plus petits groupes sur des compétences spécifiques à acquérir, le centre de formation s’organisant alors pour leur proposer l’intervenant(e) le/la plus à même de les y aider.

La formation se termine par un deuxième et dernier bilan individualisé (voir les modalités identiques en 1ère année). Il est remis aux stagiaires une attestation provisoire de fin de formation, le certificat définitif leur étant attribué après délibération du conseil d’administration du Théâtre en Miettes, revêtu de la signature du président en exercice, et validé par une commission détachée du conseil d’administration.

CALENDRIER DE FORMATION : Les Composantes du Jeu de l'Acteur


Formation 2020/2021